En uno de los textos de Alana S. Portero, el mundo de los vivos aparece definido como “el lado del mundo en el que las cosas siguen calientes”. Desde ahí parte El lado caliente, la nueva exposición colectiva de Galería Travesía Cuatro, una muestra que convierte la memoria, el trauma y los relatos heredados en materiales abiertos a nuevas lecturas.
Comisariada por Andrea Celda, la exposición reúne obras de Vivian Caccuri, Gabrielle Goliath, Krizia Leon Porta, Paula Santomé, Amol K Patil y Felix Shumba. A través de instalaciones sonoras, esculturas, dibujos y vídeo, las piezas dialogan alrededor de una misma pregunta: cómo seguir imaginando formas de vida en un presente marcado por la violencia, el agotamiento político y la crisis social.
“Las prácticas aquí representadas se confrontan con las narrativas impuestas y proponen otras maneras de lidiar con ellas. Generan espacios de reparación, de sanación y nuevas maneras de contarnos a nosotras mismas”, explicó Celda durante la presentación.
La exposición evita el discurso cerrado o la lectura única. Más que ofrecer respuestas, abre conexiones entre artistas que trabajan desde geografías y experiencias muy distintas, pero atravesadas por preocupaciones comunes: el peso de la memoria, las heridas históricas, el cuerpo como territorio político o la necesidad de construir otros relatos colectivos.
Una de las piezas más contundentes es la de Paula Santomé, que continúa su investigación sobre la mitología clásica y los imaginarios patriarcales. Sus obras en aluminio parten de dibujos vaciados en metal y revisan relatos heredados desde una sensibilidad contemporánea. “Me interesa cómo hemos perdido el lenguaje simbólico como herramienta para explicarnos a nosotros mismos y al mundo”, señaló la artista. “La ciencia y la tecnología han ocupado ese espacio, pero seguimos necesitando relatos”.
Entre las piezas destaca una escultura vinculada al mito de Príapo y Hestia. En la narración clásica, Príapo intenta violar a la diosa dormida durante una fiesta, pero el rebuzno de un asno la despierta y evita la agresión. Algunas versiones posteriores convierten al animal en símbolo protector; otras terminan castigándolo. Santomé recupera esa historia desde una lectura crítica sobre la violencia contra las mujeres y sobre cómo los mitos se reinterpretan continuamente según el contexto histórico desde el que se leen.
“Los mitos son relatos flexibles”, explicó. “Son reflejos de quien los mira en cada momento. Me interesa preguntarme cómo se leen hoy esas historias y qué dicen sobre la sociedad en la que hemos crecido”, explica a Artículo14.
También desde la memoria trabaja Krizia Leon Porta, cuyas grandes telas dibujadas con carbón parten de un archivo fotográfico familiar tomado por su abuelo en la sierra peruana. Muchas de aquellas imágenes estaban dedicadas al cielo. A partir de ahí, la artista comenzó una investigación sobre astronomía andina y formas ancestrales de conocimiento ligadas a la observación de las constelaciones oscuras: figuras que no se forman con estrellas visibles, sino con las zonas negras de la Vía Láctea.
Leon Porta viajó hasta una comunidad cercana a Cuzco para estudiar prácticas vinculadas a la observación astronómica tradicional y a la lectura simbólica del cielo. “Trabajo desde la oscuridad”, explicó. “Me interesa esa manera de construir conocimiento desde lo que aparentemente no se ve”.
La memoria traumática atraviesa también el trabajo de Felix Shumba, representante de Zimbabue en la actual Bienal de Venecia. Sus dibujos realizados con carbón procedente de árboles quemados remiten a la masacre de Chimoio, en Mozambique, donde miles de personas vinculadas al movimiento de liberación zimbabuense fueron asesinadas en 1977.
Shumba trabaja directamente sobre los lugares marcados por esa violencia histórica y convierte sus materiales en parte de la obra. Sus figuras híbridas y espectrales aparecen como mediadores entre el presente y los ancestros, cuestionando la ruptura contemporánea con la memoria colectiva y con la relación espiritual con la tierra. “No es solo una cuestión política o económica”, apuntó la comisaria durante la visita. “La tierra también tiene que ver con la relación con quienes estuvieron antes”.
Esa tensión entre desaparición y permanencia recorre igualmente la instalación sonora de la exposición, donde el sonido funciona como huella de algo que ya no está del todo presente.
El artista indio Amol K Patil centra su trabajo en las condiciones de vida de la clase trabajadora en Mumbai. Sus esculturas y objetos recuperan materiales vinculados a antiguos molinos textiles y a espacios industriales amenazados por procesos de demolición y transformación urbana. Las piezas conservan fragmentos de telas, herramientas y elementos cotidianos ligados a la experiencia obrera.
Patil, que actualmente vive entre Mumbai y Ámsterdam, investiga cómo los procesos de urbanización alteran no solo los espacios físicos, sino también las formas de memoria y pertenencia de quienes habitan esos lugares. Su obra aparece atravesada por las condiciones laborales extremas y por la necesidad de reconocer a quienes sostienen materialmente las ciudades.
La dimensión más íntima y emocional de la muestra aparece en las piezas de Gabrielle Goliath, cuya práctica se centra en supervivientes racializadas, queer y víctimas de violencia patriarcal. Goliath, que ha expuesto en instituciones como el Museum of Modern Art y cuya instalación Elegy fue retirada del pabellón sudafricano de la Bienal de Venecia tras posicionarse contra la guerra en Gaza, trabaja desde los silencios y los gestos más que desde el relato explícito.
En sus vídeos y registros sonoros, las palabras desaparecen parcialmente para dejar espacio a respiraciones, pausas, sollozos o movimientos mínimos. Más que representar la violencia como espectáculo, la artista busca generar condiciones para que las propias personas retratadas decidan cómo desean ser vistas.
La exposición se completa con el trabajo de Vivian Caccuri, que utiliza el sonido como herramienta para alterar la percepción cotidiana y cuestionar estructuras sociales profundamente interiorizadas.
Como parte del programa público, el artista sonoro Jonás de Murias realizará el próximo 26 de junio una sesión de escucha construida a partir de archivos de música tradicional mediterránea procesados y reescritos digitalmente.
En conjunto, El lado caliente evita tanto el pesimismo paralizante como la idea de reparación fácil. Las obras reunidas en Travesía Cuatro hablan de violencia, colonialismo, trauma y pérdida, pero también de cómo ciertos relatos, cuerpos y memorias continúan buscando formas de permanecer vivos.