Del 9 de septiembre al 3 de octubre, la XXIV Bienal de Flamenco transforma once espacios emblemáticos de Sevilla en escenarios para más de un centenar de artistas a lo largo de 72 actuaciones. Más allá de las cifras y de la expectación generada por sus 22 estrenos absolutos, la programación plantea una cuestión más profunda: ¿cómo se conserva una tradición sin convertirla en una pieza de museo?
Durante décadas, cierta concepción del patrimonio flamenco ha identificado la preservación con la fidelidad a unas formas heredadas. La Bienal de este año ofrece otra respuesta: la tradición sobrevive precisamente porque una nueva generación de artistas se permite discutirla, contaminarla y apropiársela. En lugar de tratar el pasado como algo intocable, estas creadoras lo utilizan como materia prima para imaginar el futuro.
En el centro de esa renovación se encuentra Rosario «La Tremendita». El 11 de septiembre, en el Teatro Central, presentará el estreno absoluto de su séptimo álbum, Menos es más, coproducido junto al guitarrista Dani de Morón.
La Tremendita lleva años enfrentándose a determinados sectores conservadores del flamenco. «También en el flamenco las mujeres tenemos que demostrar mucho más que los hombres», afirmaba recientemente en la Cadena SER. Como cuarta generación de la dinastía de los Tremendos de Triana, su identidad artística y personal suma varias capas: mujer, flamenca, paya y lesbiana. Formada bajo la disciplina de su padre, José Tremendo, estudió en conservatorios y comenzó a actuar internacionalmente siendo todavía adolescente.
Sin embargo, decidió salirse del canon cuando sintió que sus límites empezaban a constreñir su creatividad. En Menos es más pone en diálogo estructuras procedentes de la tradición flamenca con el jazz, el rock y el funk, acompañándose de su característico bajo eléctrico. Y lo hará embarazada de seis meses, afrontando incluso la dificultad física de apoyar el instrumento sobre el cuerpo.
Su investigación ha llegado hasta la creación de un nuevo estilo, o palo, bautizado como tremolera. Para Rosario, la responsabilidad fundamental del artista no consiste en obedecer una tradición, sino en ser fiel a su propia voz.
Ese espíritu de renovación atraviesa también los grandes acontecimientos inaugurales. El 10 de septiembre, la Plaza de Toros de la Real Maestranza acogerá El mundo por montera, una gala que mira hacia 1926, año en que Pepe Marchena entró en la Ópera Flamenca, Manuel Vallejo recibió la Llave de Oro al Cante y la llegada de la grabación eléctrica transformó la industria musical.
Lejos de reconstruir aquel momento como una estampa histórica, Andrés Marín y Luis Ybarra trasladan su impulso renovador al presente.
Una de las protagonistas de esta transformación es Patricia Guerrero, Premio Nacional de Danza en 2021 y directora del Ballet Flamenco de Andalucía desde 2023. En El cerco y la luna, Guerrero y Andrés Marín revisan la centenaria granaína y alteran algunas de sus jerarquías instrumentales tradicionales. El saxofón, asociado en su momento al bullicio de las varietés de la Ópera Flamenca, se integra aquí en un lenguaje mucho más íntimo, ligado al cante jondo.
Bajo la dirección de Guerrero, la compañía pública andaluza funciona menos como depositaria de formas cerradas que como laboratorio para investigar qué puede seguir siendo el flamenco.
Otras artistas están entrando además en territorios que históricamente estuvieron dominados casi por completo por hombres. Es el caso de la guitarra flamenca de concierto, donde durante décadas apenas hubo espacio para las mujeres como solistas.
El 19 de septiembre, en el Espacio Turina, María Marín presentará el estreno absoluto de Las tres Marías. Sube sola al escenario y asume simultáneamente tres funciones: guitarrista, cantaora y compositora. Al hacer dialogar directamente voz y guitarra, sin intermediarios, construye un lenguaje propio en el que conviven técnica clásica, canción popular y experimentación contemporánea.
También la joven cantaora Ángeles Toledano utiliza su primer espectáculo propio en la Bienal para proponer un modelo de creación compartida. Nacida en Jaén en 1995, cuenta con una sólida formación tradicional: ya ganaba concursos para adultos con catorce años y estudió con maestros como José de la Tomasa.
Sin embargo, su espectáculo La misma sangre del cuerpo, que se estrena el 12 de septiembre en el Teatro Alameda, se aleja deliberadamente del recital convencional.
Titulado a partir de la última canción de Sangre sucia, su álbum nominado al Latin Grammy, el espectáculo prescinde de un repertorio cerrado para construir una narración alrededor de la forma tradicional del romance. Dirigido por Verónica Morales, se concibe como «un conjuro, una oración, un hechizo».
Toledano comparte escenario con las cantaoras Belén Vega, Sara Corea y Laura Reyes, además de un conjunto de veintiséis intérpretes de la ESAD de Sevilla. La creación individual se transforma así en un ejercicio colectivo.
El cuerpo como archivo
La reinterpretación del cuerpo y del linaje femenino reaparece en diferentes momentos de la programación. El 21 de septiembre, en el Teatro Central, Olga Pericet estrenará Perspectiva sobre un baile sonoro, una pieza que concibe el cuerpo de la bailaora como archivo vivo.
Pericet revisa su propia trayectoria y convierte la memoria física acumulada durante años en material susceptible de ser examinado, desmontado y resignificado. El flamenco deja así de entenderse únicamente como una serie de formas transmitidas entre generaciones para convertirse también en algo almacenado en músculos, gestos y movimientos.
En otro extremo generacional se encuentra Sara Baras, que regresa al Teatro de la Maestranza después de 14 años de ausencia. Los días 11, 12 y 13 de septiembre estrenará Infinita, construida alrededor de «ocho miradas de mujer» y de distintas formas de entender la identidad andaluza.
Ese diálogo entre generaciones culminará el 3 de octubre, cuando Carmen Linares cierre la Bienal con Perlas a millares, coincidiendo con el 30.º aniversario de su emblemática Antología de la mujer en el cante. Junto a ella estarán Marina Heredia, María Terremoto y Rocío Luna, convirtiendo el homenaje en una auténtica línea de transmisión entre distintas generaciones de cantaoras.
Las mujeres de esta Bienal recuerdan así que el flamenco es demasiado vital para permanecer inmóvil. Al cuestionar las fronteras tradicionales entre cante, toque y baile, no están borrando su historia: trabajan directamente con ella, la absorben y la transforman.
Porque una cultura no sobrevive obedeciendo silenciosamente al pasado. Sobrevive cuando cada nueva generación encuentra una manera de hacer que ese pasado vuelva a hablar en presente.